我在这里不想讲浩瀚的西方音乐史，但西方音乐在每个历史时期的音乐风格是迥然不同的，了解每个时期的音乐特征对欣赏古典音乐起着至关重要的作用。我将以每个历史时期发一帖的形式将西方音乐的始末大概介绍一遍，并用令人不觉厌烦的文字来描述每个时期具有代表性的音乐家，最后再帖出这个时期具有代表性又很动听的作品。
古典音乐入门（一）中世纪及文艺复兴时期（公元500年~1600年）
这第一帖我们从公元500年的中世纪开始讲起，至于此前伟大的古希腊和古罗马时期，由于那时遗留下来的音乐记载并不完整，所以很难再现那个时期的音乐，在此也不必再多加介绍，大家只要知道古希腊各方面文化都很繁荣音乐思想当然也不例外，古罗马则是继承了古希腊的音乐文化。下面就介绍一下中世纪及文艺复兴时期的音乐：
中世纪（（Medieval或Middle Ages，约公元500到1450年）
一、基督教与中世纪的音乐
在中世纪的欧洲，教会的权力高于国家和其它社会集团。当时，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务，因此中世纪的音乐借助于基督教而取得了不寻常的发展。可以说从音乐的全部理论到记谱法，从合唱、合奏到键盘乐器的兴起及
教学，无一不是与中世纪的教会休戚相关的。今天的交响乐和歌剧虽然在内容上绝大部分是描写世俗的，但它们与中世纪的教会也有着千丝万缕的联系。教会音乐，最初是原封不动地采用了从犹太王国传来的形式，即歌唱圣诗、朗诵圣经，是纯粹的声乐。宗教音乐历来以声乐为主，这是因为声乐有歌词。与此相反，器乐主要是作为世俗音乐而得以发展起来的。
从原始的单音音乐过渡到复调音乐，是中世纪音乐的重要特征。此外，中世纪音乐在理论上也有了很大的发展，完成了对位法和线谱记谱法。乐器的发明与制作也有了不小的进展，长号、小号和圆号等乐器在当时已广为流行，弓弦乐器（如维奥尔琴）也有了普遍的应用。
二、罗马风格
“罗马风格”一词来源于当时的建筑用语。罗马式音乐是世界艺术史上最伟大的纪念碑式的遗产之一。这种音乐既无和声也无伴奏，它的特征是以齐唱形式为主，通过教堂天井的回音而产生庄严的和声感，其纯朴、清丽的宗教感情与罗马风格的教堂建筑如出一辙。罗马式音乐是中世纪时期的重要音乐形式之一，其代表当首推格雷戈里圣咏（Gregorian Chant）—— 一种典型的天主教音乐，它是纯粹的单旋律歌唱。在漫长的中世纪里，格雷戈里圣咏对音乐做出了重要贡献。在格雷戈里圣咏中，已经有了多利亚调式、弗利几亚调式、里第亚调式、混合里第亚调式等四种教会调式及其变格调式。到了十六世纪，出现了爱奥尼亚调式及多利亚调式，进而演变成今日的大、小调音阶。格雷戈里一世时代，曾在罗马设立过称为“歌唱班”的教授圣咏的学校，这可谓世界上最早的音乐学校之一了。安普罗修斯（ Ambrosius，340-397）圣咏则收集了在教会中所唱的歌曲，并为教会音乐制定了由七音组成的四种教会调式音阶，还创造了对唱等形式。在圣咏中，歌词极为完美地与语言的语势、声调高低和节奏关系结合在一起，它们把宗教感情表达得尽善尽美，可以作为这一时代音乐艺术的总结。
这是真正的格里高利圣咏，它并不是左岸首页将圣永流行化的格里高利教皇，它是最纯净最震撼你灵魂的天堂之声。
早期的圣咏为单旋律教会礼拜音乐。格里高利圣咏形成于约8.9世纪，它以罗马礼仪为基础，融合了高炉地区的礼仪因素，最后逐渐形成影响到西欧其他地区的圣咏，成了罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。
本专辑是飞利浦公司于1997年发行的（CD编号:446 087_2）。我选择了其中的第三轨上传。
http://ftp.zoann.com/music/Gregoriens%20Choralschola.mp3
三、中世纪的世俗音乐
中世纪的音乐是以宗教音乐为主的，当时的音乐活动也只局限于在教堂的范围内，而民间流行的 世俗音乐是被禁止的。虽然如此，在民间仍有许多流浪歌手和游吟诗人。这些穷困的、社会地位极低的民间艺术家们对于宗教音乐对音乐艺术的桎梏十分不满，他们利用各种方式在民间广泛传播世俗音乐。这种音乐（包括赞美诗、爱情歌曲、牧歌和讽刺歌曲）在形式和内容上都较接近民风世俗，充满着民间的感情。这种民间的世俗音乐在当时已开始酝酿成为一种潜在的音乐潮流，到“文艺复兴”时期，这种音乐潮流随着社会形态的发展与转变，逐步取代宗教音乐而成为音乐艺术的主流。
文艺复兴前及文艺复兴时期的音乐（Renaissance，约公元1450年到1600年）
从十一世纪末到十三世纪末，欧洲发生了十字军东征事件。这一历史事件对于东西方文化交流起了巨大推动作用，在音乐方面则表现为游吟诗人、游吟歌手、抒情歌手等人物的出现。他们使用的是类似竖琴的小型手琴或古提琴族内的乐器，他们的演唱涉及情歌、叙事诗式的故事、自然的赞美诗以及宗教和道德等方面的内容。
从十三世纪中后期到十四世纪，哥特风格的艺术在北欧悄然兴起，并明显地表现于建筑方面。在音乐中，哥特风格虽然没有形成代表一个时代的形式，但在起始于奥干努姆（Organum）的复调形式中，却相当明确地表现出哥特风格的特征。在十三世纪的经文歌中，除了庄严的格雷戈里圣咏的固定旋律外，还有采用舞蹈和爱情歌曲的旋律，配以不同歌词和拍子共同歌唱的形式。
十四世纪下半叶，欧洲的社会意识形态开始发生深刻的变化。一些先进的、具有推动意义的新思想酝酿并逐渐传播开来。其中最有代表性的即人文主义思想。人文主义主张以人为本，人是社会的主宰而并非是神。颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。提倡人性，反对中世纪的 禁欲主义。在人文主义思潮的影响和推动下，欧洲发生了一场涉及政治、文化等多方面的深刻的变革——“文艺复兴”运动。继文学、美术等文艺形式之后，音乐也进入了“复兴”时期。这一时期的音乐，世俗音乐越来越占有更加重要的地位。音乐作品中对于人的内心世界以及自然美的描写变得十分突出，以此形成了全新的音乐风格，并产生了众多的器乐体裁和歌剧形式。一些富有个性的作曲家如帕勒斯蒂里那、拉索、兰迪诺、杜法伊和蒙特威尔第等人进行着卓越的音乐活动。他们的创作充满着新音乐的倾向，具有重要的开拓意义。在这个时期里，音乐艺术是全面发展的，当时的复调音乐在 十六世纪已发展到黄金时代。音乐理论在这时期也趋向成熟：大小调的调性体系已基本确立；和声的功能体系也正在萌芽和发展中；记谱法已由字母法和符号法转为二线谱、四线谱直至五线谱；对位法的应用也已到了十分丰富的程度。这一时期中，器乐的独立性越来越强烈；乐器的发展也逐步加快了步伐。当时的古提琴、短号、小号、长号、管风琴和琉特琴等乐器都已活跃在音乐舞台上，而文艺复兴后期小提琴和古钢琴的出现，更使音乐艺术增添了耀眼的光彩。
卡西尼（Giulio Caccini 1551-1618）的《圣母颂》：
http://ftp.zoann.com/music/Caccini_Ave_Maria.mp3
约翰·道兰（John Dowland1563-1626）的《泪的帕凡》（Kevin R. Gallagher吉他独奏）：
http://ftp.zoann.com/music/Guitar%20Dowland_Lachriame_Pavan.mp3
阿雷格里（Gregorio Allegri1582-1652）的《求主垂怜》 剑桥国王学院合唱团演唱
http://ftp.zoann.com/music/Allegri%20Miserere.mp3
这是当今乐坛历史最悠久，训练最精良的剑桥国王学院合唱团最出色的录音之一，其精准严谨的和声，直达天听的美丽音籁，不愧来自最具合唱传统的大不列颠。阿雷格里的《求主垂怜》是后文艺复兴时期最出色的宗教音乐名作，由国王学院合唱团唱来更有着虔敬圣洁的精致美感。录音杰出，剑桥国王学院礼拜堂的空间感具体而微，如天籁的合唱在高耸的空间中回荡，宗教音乐之美更加入木三分。英国留声机杂志对此碟评论说：阿雷格里《求主垂怜》曲中最令人感动的部分彷佛在天际回荡，担任独唱的男声保持着歌声的绝对安定，「令人难以置信」是对此演出的唯一形容词。
巴洛克与古典时期作曲家乔吉欧 ．阿雷格里1582年生于罗马，1652年卒于罗马。
文艺复兴时代作曲家的生平，往往不受重视，因此让后世无法进一步考证，对于阿雷格里，我们仅知他在与唱诗班的关系深厚。1629年进入天主教教廷的唱诗班后，阿雷格里获得非常稳定的薪饷，也可以进一步在作曲上钻研；他为这个世界最好的合唱团创作了许多弥撒、经文歌和器乐作品。在阿雷格里的时代，教廷曾经要求作曲家不可用许多装饰的花腔与对位声部，让聆者听不清楚经文内容。阿雷格里毕生最受到喜爱的「求主垂怜」一曲，却反其道而行用九声部无伴奏合唱团，极尽堆栈之能事，唱出天主教合唱音乐中的极美。这是他向教皇展现复音音乐之美又能清晰聆听经文的实证之作。
这部作品完成后，每年都会在复活节前一周于西斯汀教堂演唱。日后这部作品还有一个著名的故事，就是当莫扎特与父亲一同到罗马教廷演出时，当时这首天主教廷最珍爱的作品还不在西斯汀教堂以外的地方演出。不过莫扎特在聆听这首合唱作品后，一字不漏地将其抄写下来，全谱献给萨尔兹堡枢机主教。这段轶事，成为莫扎特与这部经文歌最有名的事迹。
古典音乐入门（二）巴洛克时期（1600年~1750年）
一、巴洛克风格
巴洛克葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和8世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格。
巴洛克时期音乐的旋律乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。
巴洛克时期的曲式以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。
巴洛克时期的音乐体裁主要有声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。 器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲（以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主）、协奏曲（管弦乐协奏曲、大协奏曲、独奏协奏曲）。
音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。
文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐 进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。
“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢（快与慢的段落对比或快慢声部间的对比）；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式（此词本身意味着明显的对比因素），这种形式的基本特点是织体的变换，有时用一个声部 （独奏）或几个声部，有时用较大的群体合奏。
最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody），它是一种独唱歌曲，大致是在上面有一个流畅的人声声部，配以琉特琴或羽管键琴的伴奏，伴奏的进行较为缓慢，这一体裁的代表人物（在某种程度上可以说是创造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini，约1545-1618）在他划时代的作品《新音乐》（Le nuove musiche）歌集中，人声的旋律依循歌词的意义，变化极大，在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性；而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部形成对照。 卡奇尼属于佛罗伦萨的“卡梅拉塔会社”（一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体）成员，他在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念，这个团体遵循这个概念采用了“单声部歌曲”的形式。
上述“伴奏”这个词，在文艺复兴时期音乐中几乎不用考虑，作为一个观念，它属于巴洛克时期，它意味着乐器声部之间的地位不同。事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示 他应演奏的填充内声部。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充内声部。这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲），此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中 上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。
与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调（更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中）。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐，特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及 向某一个特定的音进行的趋向性。与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。
巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的 体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回族曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。
二、巴洛克时期欧洲各国的音乐
巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。并且促成了后来的洛可可（Rococo）艺术的 兴起。这一时期的音乐以德、意、法等几个国家最具代表性。
1. 巴洛克时代的德国音乐
巴洛克时代的德意志音乐，以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，他们的音乐就好比是塔顶，因为他们不但吸收了文艺复兴以来意大利的新音乐，而且开拓了一条全新的道路。许茨（Heinrich Schutz，1585-1672年）二十四岁时赴意大利留学，师从于威尼斯乐派的大手笔加布里埃利（Giovanni Gabrieli，1557-1612）。回国后，他发表了第一部德文歌剧《达夫内》，后来还创作了许多的受难曲。许茨与巴赫和亨德尔恰恰相差了一百年，他的风格对于这两位巴洛克音乐大师的创作有着重要的影响。
入门欣赏：
（1）.C大调前奏曲 选自被彪罗称为音乐上的《旧约圣经》的巴赫《平均律钢琴曲集》。这部曲集用巴赫本人的话说"是为渴望学习音乐的青年人用的，特别是为在这方面已经巧妙掌握的人消遣用的"。巴赫在这部作品里使用了一切全音和半音的调，使衔接更为畅顺。尽管没有任激动人心的任何重大起伏及动态变化，但仍充满十分深刻的音乐感染力，十分悦耳动听。全曲分第一与第二两册，包含24个大调与小调，共48首乐曲。每首乐曲均分别由前奏曲与赋格曲组成，节律平均、无瞬间动态变化，看似单调，但巴赫运用了多种多样的风格变他及多样性的对住，使音乐素材丰富多彩、优美动听，充分体现了巴赫的平庸中见伟大。听这样的音乐确能净化人们的灵魂、使平静的心灵更为安逸、使烦乱的心灵得到安抚，难怪有人评论这是巴赫键盘乐中最伟大的作品。下面这首是曲集的第一首C大调前奏曲（BWV 846），是钢琴怪杰古尔德弹奏的版本。
http://ftp.zoann.com/music/Bach%20pingjunlv1.mp3
（2）.巴赫《G弦上的咏叹调》此曲为巴赫《第三号管弦乐组曲》的第二乐章主题，充满诗意的旋律美，使此曲成为脍炙人口的通俗名曲。原曲作于一七二七年至一七三六年之间，十九世纪德国著名小提琴家威廉密（August Wilhelmj，1845-1908）将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲，由于主奏小提琴必须在G弦（小提琴四根弦中最粗的一根弦）上演奏全部旋律，故此得名。巴赫的原曲没有表情与速度记号，编曲者则指定“甚慢，极有表情”。类似低音弦的拨奏伴奏下，小提琴奏出悠长而庄重的旋律。全曲后半段出现的新旋律产生了更丰富的变化，最后在静似祈祷般的气氛中结束。下面这个版本由苏克演奏小提琴。
http://ftp.zoann.com/music/Bach%20G%20suk.mp3
（3）.巴赫的《夏空舞曲》 看看勃拉姆斯对这部作品的评价吧：
勃拉姆斯
引自1877年6月于波特沙克克拉拉·舒曼信
在我看来，《夏空舞曲》是极其奇妙而又难以理解的音乐作品之一。巴赫仅用为小型乐曲写作的技巧，就表现出深刻的思想和情感。我想，如果我自己创作，甚至只是在构思这样一部作品，我一定兴奋、激动得不能自己。如果身边没有一位十分杰出的小提琴演奏家，那么最大的乐趣也许莫过于让《夏空舞曲》在自己脑海里 响回荡。这部作品著实令人迷恋沉醉。人们并不一定总想听到演奏出来的音乐，况且，约阿基姆也不可能总在你面前，所以不妨另试它法。可是，不管是用管弦乐队还是用钢琴来演奏这部作品时，我都会感到兴致索然。然而不冲淡这部作品的兴趣的唯一办法，尽管程度有限，是只用左手来弹奏……难度的相当，技巧的性质，琶音的处理，这一切都使我感觉自己象一个小提琴家。
你不妨试一试看，我只是为了您才改写的。但不要过于劳累您的手。这要求相当大的音响和力度。不妨用轻声弹一会儿看。指法要容易而舒服。假若它不致使您过度劳累——这是我所担心的——您会从中获得极大的乐趣。
编者按：作者勃拉姆斯是19世纪德国作曲大师，德国古典主义音乐传统的最后捍卫者。克拉拉·舒曼是19世纪德国作曲家罗伯特·舒曼的妻子，也是一位著名钢琴家。勃拉姆斯与舒曼夫妇长期保持著敬慕而友好的关系。勃拉姆斯把巴赫的《夏空舞曲》改编为只用左手的弹奏的钢琴曲寄给了克拉拉。有趣的是，在给克拉拉寄去这封信和改编手稿的时候，克拉拉右手受了伤，而勃拉姆斯并不知情。
《夏空舞曲》是巴赫第二小提琴帕蒂塔的最后乐章，19世纪被发掘出来后成为演奏家必奏的著名曲目，约阿基姆就是当时德国演奏巴赫小提琴作品的权威之一，也是勃拉姆斯的朋友。
全文摘录自
美国 萨姆·摩根斯坦 所著《作曲家论音乐》，于顽译。
巴赫无伴奏小提琴里的这首恰空堪称音乐史上最伟大的独奏作品，小提琴外有很多其他乐器的改编版本，比如大提琴，小号，吉他等等。下面这个版本是Angel Romero演奏的吉他改编版。
http://ftp.zoann.com/music/Chaconne_from_Partita_No_2_for_Unaccompanied_Violin_in_D_minorBWV%201004.mp3
（4）.亨德尔的《哈利路亚》这一清唱剧作于1741年9月，作曲家亨德尔在一种不可遏止的热情冲动下，只用了二十多天就写出了这部注定要成为经典之作的清唱剧《弥赛亚》。这部作品曾是作者“流着眼泪写作”而成的，同样也打动了1743年在伦敦音乐厅观看首演时的所有听众，甚至英王乔治二世在听完第二幕终曲《哈里路亚》这一合唱后，起立以示敬意。这一举动竟形成了传统，直到今天，人们在现场欣赏合唱《哈里路亚》时，都必须全体起立以示敬意。
“弥赛亚”一词源于希伯莱语，意为“受膏者”（古犹太人封立君王、祭祀时，常举行在受封者头上敷膏油的仪式）。后被基督教用于对救世主耶稣的称呼。全剧分三部分，共有序曲、咏叹调、重唱、合唱、间奏等57首分曲。第一部分叙述圣婴耶稣的诞生；第二部分是关于耶稣为拯救人类，四处传播福音以及受难而被钉死于十字架上的经历；第三部分则是耶稣显圣复活的故事和赞美诗。这是亨德尔少数完全表现宗教内容的作品中最出色的一部，实际上其中对音乐的戏剧性和人性的宣传远胜于对宗教的虔诚感情。
全剧为主调和声音乐风格，以旋律优美、和声洗练见长。西西里民间乐器风笛的使用在当时是大胆而新颖的。由于其中不少分曲具有很高的技术训练价值和艺术性，至今仍在音乐会和声学教学中被广泛采用。
整个作品经典迭出，美不胜收。其中这里所介绍的“哈里路亚”一段，则更是以其震撼的气势，洗练而悠长的旋律，以及教堂圣歌的庄重典雅，而成为传世佳作。请欣赏这个罗伯特 肖指挥克里夫兰管弦乐团、合唱团的版本：
http://ftp.zoann.com/music/Hallelujah_Robert_Shaw.mp3
（5）帕海贝尔的《Canon in D major》卡农 不用多介绍了，恐怕你们听的比我还多。大家听的多是根据主题改编的各种版本，下面这个这是比较原始的版本了。
http://ftp.zoann.com/music/Pachelbel_Canon.mp3
2. 巴洛克时代的意大利音乐
歌剧这一伟大的艺术形式，诞生在“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。在当时的佛罗伦萨， 有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴趣的贵族。这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，于是他们开始给古老的希腊故事谱曲，并由合唱队穿上戏装把整个故事演唱出来，这就是歌剧的雏形。发展到后来，故事里的角色分别由歌唱者担任；在合唱节目之间，则由男女歌唱家分别担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词被处理成半唱半说，这种歌唱很象一首赞美诗，被称为宣叙调；而强烈的感情则是真旋律来表现的，称为咏叹调。而后，咏叹调被专门用来炫耀歌手的美好音色。当时，一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国上演，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣叙调部分的演唱则是用 本国语言。
在意大利的巴洛克音乐中，可与早期歌剧相媲美的还有弦乐，当时歌剧的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe Torelli，1650-1708）、科莱里（Arcagello Corelli，1653-1713）、维塔利（T.Antonio Vitali，1665-1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼（Giuseppe Tartini，1692-1770）等，他们都早于巴赫。这些音乐家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音乐的作曲家。意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人中，小提琴制作家可谓层出不穷，如阿玛蒂、瓜内利和斯特拉第瓦利等，他们精心制作的小提琴，至今还活跃在舞台上，展现出无穷的艺术魅力。
歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。可见，巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远。
入门欣赏：
（1）维瓦尔第《四季》 点击此链接：
http://bbs.besgold.com/thread-141755-1-1.html
（2）阿尔比诺尼《g小调柔板》 这是一部让我无数次落泪的作品，很多难过的深夜都是它在陪伴我。很多人都非常熟悉这曲字，被广泛地引用于多部影视作品中。这张卡拉扬指挥柏林爱乐乐团的CD也很出名，是欣赏巴洛克音乐不可缺少的一张精品，著名的短歌行网站曾专门介绍过它。阿尔比诺尼的创作主要是歌剧，他一生有50多部歌剧，这些歌剧虽然在初期的喜剧发展上颇有贡献，但后来却是令人不可思议的全部被世人遗忘。阿尔比诺尼以小提琴演奏见长，一般人都以为他是器乐作曲家，所以后世更多的把他称为小提琴作曲家。阿尔比诺尼一生创作的器乐曲超过100部，但生前印行的只有9部。 他在世的时候，是以歌剧作曲家而出名的，今天，他却以器乐作曲家而闻名，其作品常常被用于演奏或制作唱片。比如，他的《g小调柔板》（Adagio de G mineur）（实际上是一部经后人整理的作品），是巴洛克音乐当中最为人阿尔比诺尼的父亲是威尼斯的一位富有的贵族、造纸们所熟知的作品之一。《柔板》并非他所作，而是出自20世纪一位评论兼音乐家贾佐托（Remo Giazotto）的手笔。假阿尔比诺尼之名, 实为贾佐托所作而广为流传的这首《柔板》乐曲明显地取材于阿尔比诺尼本人某首作品的片段。说到这首曲子，我倒是想到了前不久出现在各大新闻网站上的一条消息：英国伦敦教育学院的专家们将受试儿童分成A、B、C三个组。A组儿童欣赏阿尔比诺尼轻柔优美的《柔板》，B组儿童聆听克尔特林的爵士乐《三位一体》，而C组儿童则什么也不听。此后，三组儿童又都接受了阅读理解、记忆单词、背诵课文和四则运算测试，而测试内容完全是刚刚新学的新知识。最后的结果显示，平均成绩最优的是A组，其次是C组，而最差的则是B组。这是一项背景音乐是否能改善学习能力的测试，从此看出，阿尔比诺尼的这首作品已经深入人心。又因为阿尔比诺尼的名字字母开头是A，这首作品因此被排在了古典入门小品全集的第一首，人们听了这首曲子很容易把古典音乐构想成包容着无数幻想的极乐世界。著名女高音----现在也是流行歌坛的重量级人物----沙拉.布莱曼演唱了一首根据阿尔比诺尼的这首“慢板”填词改编的《随时随地》（Anytime Anywhere），更给予乐曲一种新的诠释。这也让阿尔比诺尼虽然不被人了解，但是家喻户晓。
卡拉扬指挥的柏林爱乐版
http://ftp.zoann.com/music/Albinoni_Adagio_in_G_minor.mp3
（3）塔尔蒂尼《魔鬼的颤音》(g小调奏鸣曲) 缪斯女神如清风倏忽不定，但幸运的人也许会在不经意间觅到她的行迹。她并不理会跪在其石榴裙边虔诚的追求者，也并不在意那些苦心寻她千
百度的痴男狂女，却偏偏青睐那些鼾然入梦的无心人。可见人神共通，总是对自己得不到的东西怀有私欲和好奇。
意大利作曲家塔尔蒂尼就是一个幸运地被缪斯垂青的人。塔尔蒂尼曾坦言，他那首极富盛名的奏鸣曲——《魔鬼的颤音》的创作灵感源自睡梦之中。据说他在梦中将灵魂卖给了魔鬼，作为补偿魔鬼接过他的小提琴演奏了一曲。塔尔蒂尼被曲中优美的曲调和华丽的颤音所吸引。此曲之华美是他在凡间闻所未闻的。伴着优美的旋律他昏昏入睡，醒来时却早已把音韵忘却了一大半。塔尔蒂尼梦醒后尝试着演奏他在梦所听到的，却失败了。他苦苦地回忆，把头脑中残留的音符记录下来，这就是后来的《g小调奏鸣曲》。该曲的最后部分有许多需要高度演奏技巧的颤音，此段曾被梦中的魔鬼演绎的华美动人，因此这个作品也被冠名为《魔鬼的颤音》。
请欣赏由米尔斯坦演奏《魔鬼的颤音》
I. Larghetto [2:44]
II. Allegro energico [3:03]
III. Grave - Allegro assai; Cadenza - Adagio [7:39]
http://ftp.zoann.com/music/Tartini%20VS%20Milstein.mp3
3. 巴洛克时代的法国音乐
在当时的法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各王侯贵族的府邸内极为盛行。这一时期的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独立成长，已经接近于舞剧的形式。在巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean Baptiste Lully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律优美，同时又具有很强的舞蹈性；其内容辛辣、幽默，入木三分。
与歌剧同时盛行的是古钢琴音乐。古钢琴常常附以代表巴洛克文化的装饰，它与羽管键琴等同为现代钢琴的前身。当时的古钢琴大师有库普兰（Francois Couperin，1668－1733年）和拉摩（J.P.Jean Philippe Rameau，1683－1764年），他们为古钢琴谱写了许多组曲，其中的很多曲目至今仍广为流传。1722年出版的《和声学概论》（拉摩著），是音乐史上最早的和声学理论著作。
古典音乐入门（三）维也纳古典三人行（1750年~1827年）
古典主义时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念：一种调性间平衡的概念，给予听众明确的感觉这音乐如何进行；还有段落之间的平衡，听众在聆听一首乐曲时可以准确地知道紧接着出现的内容。这一时期说白了也就三位代表人物：海顿、莫扎特、贝多芬。他们三人囊括了这一时期的所有风格，所谓维也纳古典乐派，也就是他们三人了。
1750年，亦即巴赫去世的那一年，海顿18岁，写出了他第一部作品《F大调短小弥撒曲》。而莫扎特和贝多芬在音乐中与海顿的血缘关系，是一目了然的。22岁的贝多芬在维也纳已经囊中羞涩，但他还是花了25格罗申为海顿买了一杯咖啡，以简单的形式和虔诚的心情拜海顿为师。尽管耿直刚强的贝多芬和温驯的海顿脾气秉性不同而导致两人争执后贝多芬拂袖而去，但他还是承认自己一直受业于海顿。莫扎特就更不用说了，他干脆称海顿是自己的爸爸，极其虔诚地将自己的弦乐四重奏献给了海顿。
说起莫扎特，就不能不提到他早年的聪慧和婚后的拮据。
没错，没有一个能够比莫扎特更具有天才的能力了。他的神童经历几乎为每个世人所熟知了，在这里就不说了。他6岁时在维也纳的百泉宫里摔倒，被7岁的玛丽公主扶起，他对这位后来成为法国路易十六之妻的小公主说的话首先不是感谢，而是口气颇大命令一般的言辞：“你真好，等我长大了，我一定娶你！”所有这些无不显示了他的与众不同。
莫扎特生活的窘迫，似乎从来就没有缓解过。婚后9年，他搬了12次家，有6年是妻子生养还是或产后休养，一直处于负债累累的状态，以至于到了冬天连买烤火的炭钱都没有，饥寒交迫之中只好抱着带病的妻子围着空壁炉跳舞取暖。
我们再来看贝多芬，这是一个不仅在古典时期而且在整个音乐史上都是一位重量级的人物，我不禁想起我的作曲老师总不离嘴的一句话“贝多芬养活了多少人，没有贝多芬就没有我们！”。在音乐家的排并布阵表中，他肯定是中锋的位置。
所有人对贝多芬的描述都有一个共同点，就是都突出了贝多芬的性格愤世嫉俗和强悍怪异的一面。这和我们如今在许多地方常常见到的那种贝多芬的肖像画是一样的。对于一般人来说，知道得更多的或更为关心的是贝多芬的这几点：耳聋、爱情和音乐里命运的敲门声。
贝多芬和莫扎特相反的是，他对于苦难反抗的心迹很重，并且明晰地刻在他的行为轨迹和他的音乐乐思中。面对同样程度的人生苦难，两人表现出来的态度是那样截然不同，傅雷先生曾这样说莫扎特的音乐“从来不透漏他痛苦的消息，非但没有愤怒与反抗的呼号，连挣扎的气息都找不到”。“莫扎特的作品反映的不是他的生活，而只借来表现他的忍耐和天使般的温柔。”“他自己得不到抚慰，却永远抚慰着别人”。
莫扎特的音乐是一派天籁，贝多芬的音乐是一片浪潮。
莫扎特的音乐能够让我们心中粗糙坚硬的东西变得柔软，贝多芬的音乐能够让我们心中柔弱淡薄的东西变得强硬。
莫扎特的音乐是含有抚摸性质的，贝多芬的音乐是具有破坏力量的。
莫扎特给我们信心，贝多芬给我们勇气。
贝多芬站在前方，莫扎特就站在我们面前。
入门欣赏：
1.海顿《小夜曲》，出自《F大调第十七弦乐四重奏》。
http://ftp.zoann.com/music/Haydn%20String_Quartet_Op_3_No_5.mp3
2.莫扎特《土耳其进行曲》出自第11号钢琴奏鸣曲（ K331）
http://ftp.zoann.com/music/Mozart%20tuerqi.mp3
3.莫扎特第19号钢琴协奏曲第三乐章
http://ftp.zoann.com/music/mo%2019%203.mp3
4.莫扎特g小调第四十交响曲第一乐章
http://ftp.zoann.com/music/mo%20g%201.mp3
5.贝多芬c小调第五交响曲“命运”第一乐章
http://ftp.zoann.com/music/beethovenno%205-_i%20allegro_con.mp3
6.贝多芬第八钢琴奏鸣曲“悲怆” 点击下面的链接：
http://www.zoann.com/bbs/Announce/announce.asp?BoardID=123&ID=35320&AUpflag=1&ANum=1
7.贝多芬第十四钢琴奏鸣曲“月光”第一乐章
http://ftp.zoann.com/music/moonlight.mp3
8.贝多芬第十七钢琴奏鸣曲“暴风雨”第三乐章
http://ftp.zoann.com/music/Beethoven_Sonata17_3.mp3
9.贝多芬D大调小提琴协奏曲第三乐章
http://ftp.zoann.com/music/beidufen%20xiaoxie3.mp3
古典音乐入门（四）浪漫狂飙的百年辉煌
19世纪的这一百年是音乐史上绝对的黄金时期！
我一直以为刚听古典音乐的朋友应该从浪漫主义时期开始听，因为它们太美，内容太丰富。它不像之前的音乐那样理性刻板，又不似之后的现代音乐那样晦涩难听，它深受文学的引导和熏陶，已经变得让人眼花缭乱、惊心动魄了。令人觉得舒服好听的音乐到此已发展到了巅峰时期，有调性的作曲手法到这里终于被用尽，此后的作曲家还能做什么，到现在我们还在迷茫地探索。
一、音乐中的浪漫主义
浪漫主义原指用罗曼语（Roman）书写的故事，进而专指长篇小说或骑士故事，后来也包括传奇小说等。浪漫主义在艺术上的兴起，最早见于十八世纪的文学作品中，这些作品将一切个人的感情、趣味和才能表现得淋漓尽致。在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。
浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有根本的改变，他们已不再是一个城市、宫廷或教堂的雇员。贝多芬也只是赢得了某种程度上的真正独立，因为不管那些贵人们多么慷慨地让他自行其是， 他的大部分生计仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上说作曲家完全是他自己的主人，实际上也就是大众的仆人。为了满足大众的需要，各种各样的音乐会社团和音乐节
网络迅速地发展起来。如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这个众多的占统治地位的中等阶层提供他们所喜闻乐听的音乐，他就是成功的；反之，如果他忽视时代的审美观，只为自己或他理想中的后代创作，那么他在公众的心目中就必然是个“怪里怪气”的孤僻艺术家。这一类作曲家常以为他们是出类拔萃的杰出人物，是未来艺术的预言者。 “艺术家”一词的使用不是没有意义的，因为整个十九世纪的作曲家都这样看待自己。他们这样称谓自己很有理由，因为一旦摆脱了私人的庇护，投身到社会中去，他们便开始和文学作家等富于创造精神的同行有了接触。事实上，韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲还写过一些有关音乐的书，而瓦格纳不仅自己写剧本，还写出了许多关于音乐、戏剧和哲学的著作和论文，真难以想象他何以还有时间创作出那么多的乐曲来。这新的一代作曲家对弥漫在社会上的各种新思想有着浓厚的兴趣，不管是科学的、民族的，还是艺术的。最重要的是，他们对文学的陶醉到了如痴如狂的程度。他们的前辈仅满足于用器乐 表达纯粹的音乐思想，浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。当然，给歌词谱曲一直是作曲家们的实践之一，可是当时流行的是用器乐表达或描绘一种特定的场面，甚至讲述一个故事。这起始于贝多芬的同代人韦伯，后来又被李斯特、理查德·施特劳斯发展为描述性的交响诗。
十九世纪上半叶，自然的、乡村的浪漫主义文学转变为幻想的、比生活更加广阔的浪漫主义文学，分别以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》（1813年）和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》（1847年）为代表。这两部英国小说有天壤之别，这种区别在沃尔特·佩特（W·Pater）给浪漫主义下的定义中可以得到概括，他认为浪漫主义是“给美添上了怪诞的色彩”。因此，毫不奇怪，浪漫主义音乐在很大程度上同样表现了一种奇异的超自然的东西，如柏辽兹在他1830年所作的《幻想交响曲》中所表现的那样。作曲家们很快就对周围的大自然发生了新的兴趣，这种自然已经不是贝多芬《田园》中的那种简单的自然，而是大写的“自然”，一种因为他们超脱于芸芸众生才与他们有着特殊联系的力量。不管是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是十分强调单个的人，而不是那种作为社会的一分子、被仔细地划入 某个阶层而根本无法摆脱其束缚的人。因此，对独立个性的重视使作曲家们有意识地追求个人的特点，有时成了自我主义。这样，他们离那些因为循规蹈矩而压抑了自己部分创造才能的古典主义作曲家就越来越远了。
想用寥寥数语概括浪漫主义音乐的特点，其结果非常容易使读者误以为浪漫主义作曲家都是放浪形骸之徒。虽然他们中间有人确有行为出轨的时候，但是总地来说，他们有足够的自控能力使自由不致逾越界限。他们当中大多数人仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式，虽然在这些 形式里出现了与莫扎特不同、会使他的审美观受到侵害的新东西（需要记住的是，审美的好恶总是处于不断的变化之中，因此这一代认为“过分”的行为在下一代眼里却是规范，昨天的“顽皮的孩子”，逐渐长成为今日受尊重的“老伯伯”。[注：法国诗人戈蒂耶早年参加浪漫主义运动时被称为“顽皮的孩子”。“老伯伯”则是英国人对曾经担任首相的政治家格莱斯的尊称。]）。浪漫主义运动内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。研究早期浪漫主义可以说明分裂是怎样产生的， 也可以把那些重要性在管弦乐曲的作曲家（门德尔松、柏辽兹）和那些重要性在其他方面的作曲家（如歌曲方面的舒伯特、歌曲与钢琴曲方面的舒曼、歌剧方面的韦伯）区别开来。
二、浪漫主义音乐的形成
初期的浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，也是发自欧洲“启蒙时代”的思想和法国大革命的自由民主思想，它比文学中的浪漫主义要晚数十年。贝多芬的晚期作品已成为初期的浪漫主义的先驱，其后的作曲家们皆可归为浪漫派。从时代上讲，十九世纪中叶是浪漫主义音乐的全盛时期。
三、浪漫主义音乐的代表人物
前所述，在古典派作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中，已经明显流露出浪漫主义音乐的风格，正是他们开创了浪漫派的先河。1800年前后出生的作曲家们，形成了初期浪漫主义的中心。舒伯特和柏辽兹可谓初期浪漫派音乐的代表人物，他们从格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬的传统出发，形成了自己独特的流派。后来，浪漫主义音乐经过门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第等人的进一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到了巅峰，这些作曲家、钢琴家构成了中期浪漫主义的中心。至于马勒、理查德·施特劳斯 和拉赫玛尼诺夫等近代名家的作品，则归于晚期浪漫主义音乐。
四、浪漫主义音乐的历史地位
浪漫乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。浪漫主义音乐也是一座桥梁：韦伯接受了格鲁克和莫扎特的传统，传至近代的瓦格纳；舒伯特在器乐方面是贝多芬的继承人，他的浪漫主义艺术歌曲，则是经由舒曼和奥尔夫流传至今；柏辽兹的标题音乐源于贝多芬的《田园》交响曲，其后又与近代法国的印象主义相关联。
入门欣赏：
1.舒伯特的《小夜曲》（维也纳童声版）点击此链接
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35337
2.门德尔松的艺术歌曲《乘着歌声的翅膀》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35330
3.门德尔松的小提琴协奏曲
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35334
4.舒曼的《梦幻曲》
http://ftp.zoann.com/music/schumann_1507.mp3
5.李斯特《爱之梦》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35009&q=1&r=75
6.肖邦的夜曲（Op9 No.2）
http://ftp.zoann.com/music/Chopin%20Nocturne%20No.2.mp3
7.肖邦的“小狗圆舞曲”
http://ftp.zoann.com/music/Chopin_Xiaogou.mp3
8.肖邦第一钢琴协奏曲第二乐章
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35011&q=1&r=75
9.帕格尼尼的第24号随想曲
http://ftp.zoann.com/music/paganini%20NO.24.mp3
10.柴科夫斯基的《船歌》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35020&q=1&r=75
11.柴科夫斯基的《场景》(选自舞剧天鹅湖组曲)
http://ftp.zoann.com/music/Tschaikowsky%20ballet%20Scene.mp3
12.勃拉姆斯的《第一号钢琴三重奏》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35105&q=1&r=75
13.小约翰斯特劳斯的《蓝色多瑙河》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35339&p=1&Upflag=1&q=1&r=74
14.马思奈的《沉思》（马友友演奏大提琴）
http://ftp.zoann.com/music/YoYoMa%20chensi.mp3
15.萨拉萨蒂的《流浪者之歌》
http://ftp.zoann.com/music/sarasate%20liulangzhe.mp3
古典音乐入门（五） 20世纪后的我们何去何从？ 从印象主义到现代音乐
从十九世纪末到第一次世界大战之前，在音乐史上称为“近代音乐”时代。在这一时期，以印象主义音乐为代表的几种音乐流派，实现了音乐史上从晚期浪漫主义向二十世纪现代音乐的过渡。音乐中似乎必不可少的调性旋律渐渐消失了，音乐似乎再也回不到以前那样单纯的好听了.....音乐向何处发展？我们一直迷茫.....
一、音乐中的印象主义
印象主义音乐产生于十九世纪末，是受“象征主义文学”和“印象主义绘画”的影响而出现的一种音乐流派。印象主义音乐带有一种完全抽象的、超越现实的色彩，是音乐进入现代主义的开端。它的音乐形式、织体、表现手法、基本美学观点以及所追求的艺术目的和艺术效果都与古典和浪漫主义有着很大的分歧与差别。古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与激情的发挥。与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画，而是更多地描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。
在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。印象主义音乐盛行的时间不很长，它很快就被更加激进与富于变化的现代音乐所代替，但印象主义音乐却是音乐发展史上的一个非常重要的阶段，从此音乐艺术开始了一个具有根本意义的转变。
正因为如此，印象主义音乐才得到了非常的重视，其艺术性与重要性也被越来越多的人们所理解与承认。法国音乐家德彪西和拉威尔是公认的印象主义音乐的集大成者。除此之外，法国作曲家杜卡和意大利作曲家雷斯庇基也是印象派音乐的代表人物。
二、法国印象主义音乐
象其他法国作曲家的作品一样，德彪西的音乐是标题音乐而不是绝对音乐。十九世纪末，法国出现了一派叫做“印象主义者”的画家和诗人，他们追求的是一种梦幻的美，于是作曲家德彪西力图用音乐来达到“印象主义者”用绘画所达到的同样效果。
在使用新的和声和音乐方面，德彪西是现代音乐的先驱。他建造的那种古怪的、非尘世的音乐，主要是采用完全没有半音关系的“全音阶”和许多在空气中根本听不见的“泛音”。德彪西还在管弦乐队里使用各种乐器的不同组合来发出柔和的带有闪烁性的音响效果。起初人们听他的音乐觉得不知所云，但当他们听惯了的时候，便发现其中妙趣无穷了。仿效德彪西的最重要的作曲家就是他的同胞拉威尔了，但拉威尔并没有象德彪西那样过多使用全音阶和听起来奇怪的和县，他更擅长从管弦乐队里抽取音色的深浅明暗度，在这方面无人能及。例如《波莱罗舞曲》，节奏和旋律一遍又一遍地重复，但这首西班牙舞曲借助拉威尔对力度的纯熟使用（从轻到响或从响到轻的变化）和对音色的巧妙结合，听起来使人感觉变幻莫测，趣味无穷。
三、印象主义音乐的影响
印象主义音乐是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的桥梁之一，虽然这一乐派主要集中在十九世纪末到二十世纪初的法国，但这种风格对于近现代音乐的发展所起的作用是不可估量的。后来二十世纪音乐中的“表现主义”、“十二音体系”以及“序列音乐”等几种流派都或多或少地受到印象主义音乐的影响。
入门欣赏：
1.德彪西的《水中倒影》(德彪西本人演奏)
http://ftp.zoann.com/music/Debussy_Reflections_Water.mp3
2.德彪西的《月光》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35013&p=2&Upflag=1&q=1&r=15
3.德彪西《牧神的午后》
http://www.zoann.com/bbs/Announce/Announce.asp?BoardID=123&ID=35019&p=1&Upflag=1&q=1&r=74
4.拉威尔《悼念公主的帕凡舞曲》
http://ftp.zoann.com/music/Ravel_Pavane_pour.mp3
[
本帖最后由 melody0423 于 2008-2-12 11:35 编辑 ]
